個性とは出すものではなく、溢れ出るもの。

星の数ほどのアーティストが世に出ては消えていく時代。

インターネットの普及で誰でも情報発信ができるようになって、飛び抜けた何かがないと埋もれてしまうというのも事実。

だからと言って、差別化、個性、話題性、キャラ作りばっかりに偏ってしまうと、本質を見失ってしまうよ、という話。

元LINEのCEO森川氏の”シンプルに考える”という本にも

『差別化は狙わない』

という一文があって、共感したのですが
音楽をやる上でも、

見ている人は、あなたの個性を見たいわけではなく、ただ感動したいだけで、あくまで大事なのは中身。

 

個性はとっかかりのキャッチにはなるかもしれないけど
極端な話、目の前でプレイされている音楽が誰かの有名な曲の完全なコピーであっても、それが本当に心から素晴らしいものであればリスナーは感動して涙するでしょう。

実際、一部のクラシックや伝統音楽などの世界では、数百年前に演奏された音楽をなるべくそのまま再現しようとしている人もいますが、長く愛され続けています。

目新しいことをやっているけど音楽が始まると演奏が聞くに堪えないとか、ビジュアルはインパクト大だけど曲がつまらないとか、そういう人たちは結局ファンが付いてきません。

音楽を長くやっていく以上、

あくまで大事なのはスタイルではなく

音楽としての良さ。

 

特に、あなたの歌のスタイルを確立していく上で
覚えていて欲しいのは

 

徹底的に誰かの真似をしても、100%その誰かにはならないから
安心して真似してください。

ということ。

いろんな人のいろんなスタイルを徹底的に真似して自分の技術の幅をひろげていく中で、自分だけのスタイルは自然に確立されていきます。

真似して真似して真似しても

誰の色にも染まらないで残っている部分こそが

あなたから自然に滲みでている個性。

 

それこそあなたが自信を持つべきあなただけのスタイルであり、表現なのです。

いやいやとはいえ、現実として世に出るためには、戦略的に売りを立てる必要もあるよねっていう話はこちらで。
某メジャーレーベルの新人発掘担当者の本音を聞いてみた。 – LIVEARTIST

日本人にとって”うた”は言葉。だから歌詞を大切に。

特に洋楽好きなシンガーに多いですが

うまく歌うこと(もしくはうまいと思わせること)が

第一の価値観になってしまって

やたらフェイクをしたがったり、やたら高音を出したがったり、

する人いますよね。

 

ちょっと勿体無いなーと思うのは

そういう人の歌は

歌詞が聞こえてこないんです。

それはそれでハマっていて、かっこいい人もいるし、

すこぶる完成度高ければ文句ないんですが

ここで言いたいのは

日本人は世界的にみても珍しいくらい歌詞を聴いている。

ということを知っておいて欲しいのです。

 

例えばこんな見解もあります。
秋の虫の声が心地いいのは日本人だけ?音と脳の働きについて

僕も長年音楽をやってきて、いろいろなジャンルの音楽文化に触れてきましたが、日本人の音楽の捉え方は、右脳的、肉体的、直感的というより、左脳的に情報としてその意味合いを理解してから受け入れるという感じがします。

 

日本人にとっては”わかる”、”共感できる”ということがとても重要なのです。

 

昨今の歌うまブームとか洋楽的な音楽の日本での広がりを見ていると、若い世代の音楽の聴き方は少しづつ変わってきているのかな?と思う部分もあるのですが、

やはり最近の若いアーティストでも、歌詞の内容を重視している傾向があるので若い世代にも日本人的な音楽の捉え方は引き継がれていっているなと感じます。

 

特に、歌がうまくなりたい!と必死になって練習してる人に。

うまくなることも大事ですが、

シンプルに言葉をただ伝える、という意識は

日本ではとても大切です。

 

その意識で新しい一曲を作ってみてはいかがでしょうか?

全ては自分を信じるために。声の大きさは◯◯の大きさ?!

求愛の為になく鳥もいるように、

歌は心を丸裸にして、外の世界に放出するもの。

 

ボイストレーニング云々の前に、まず大事な意識として

声はあなたの意識そのもの

ということ。

 

あなたの周りにやたら声の大きな人はいますか?

逆に声が小さくて聞き取れないような人はいますか?

 

その人たちを思い浮かべてみると、

共通する法則がありませんか?

 

それは

 

自信が大きい人ほど、

声が大きいということ。

 

もちろん声の大きさが全てではありません。

 

しかし、例えば

声の大きい人の方が意見が通りやすい。

声の大きい人の周りに人が集まりやすい。

みたいなことって、よくありますよね??

 

歌においても、実は結構大事なことで、

音楽的な点でいうと、まず

聞こえやすい=通りやすい=伝わりやすい。

 

マイクがあるからいいじゃん?と思う人もいるでしょう。

確かにかなりの割合でマイクでなんとかなります。

それでも声は大きい方が絶対に有利です。

 

なぜなら、マイクというのはあなたの声だけでなく

常に周りの音も一緒に拾っています。

 

そうすると、あなたの声が小さくなればなる程、マイクに入る周りのノイズまで一緒に音量を上げざるを得なくなります。

そうして次第に、自分の声が出ているスピーカーからの音を拾って増幅してしまい

あなたの声→マイク→増幅→スピーカー→マイク→増幅→スピーカー・・・無限ループ

という状態になりますね。これがいわゆるハウリングです。

 

特にバンドをバックに歌う時、ドラムの音はかなり大きいので、

結構な割合であなたのマイクにも入ってしまいます。

そういう環境ではハウリングが起きやすくなるのです。

 

ライブの現場で、声量のないビギナーのシンガーがPAさんに

もっと上げて!!と言っているのを見ると

ああPAさんがかわいそう・・といつも思うのですが

 

PAさんは接客業なので

その声量じゃ物理的に無理なんでもっと声張ってくださーい!

とは言えないのです。

 

レコーディングでは主にヘッドホンでモニタリングするので、ハウリングすることはあまりないですが、あなたの声の音量と周りや機材自体の発するノイズのレベルの差によって、最終的な音質に影響が出ます。

歌っているときにはわからなくても、レコーディングされた音は最終的にものすごく圧縮されて世に出る場合が多いので、そうなった時にノイズとして出てくるのです。

よく、日本と海外のレコーディング音源の音質の差が言われる時に、僕は単純に海外のシンガーは総じて日本人のシンガーより声量があるので、その点が音の太さや明瞭さにつながっている部分も多いのでは??と思っています。

 

とはいえ、

無理に声を張ろうとするような発声は不自然ですし、

多分喉を痛めるでしょう。

 

ボイストレーニングを通じて、自然に無理なく

あなたらしさを変えることなく、声量UPできたらベストですね。

ピアノ弾き語りの初心者へおすすめ。KeyCの定番。

ギターメインで弾き語りしているみなさんも、たまにピアノで弾き語りをしてみると世界が広がるはず。

ギターにくらべてアタックの出しにくいピアノではギターほどリズムを出しにくいですが、サスティンの長い音はそれだけで感動的。オンコードなど多様したカラフルなコードワークも自由自在。定番のパターンでバラードなどやれば絶対により感動的なものになります。

そこで初心者がまずチャレンジしてみたい弾き語り名曲集。

①LET IT BE

後期ビートルズ不朽の名曲。ポールマッカートニーの来日で再度盛り上がっている日本のビートルズ熱ですが、この機会に便乗して練習してみては??ちなみに僕も中学くらいのころに家のピアノでこれを練習したのがたぶん初めての曲。このバラード定番パターンもいろんなところで絶対使えます。

②AI STORY

女子ならこれはおすすめ。キーがCから最後Dに転調なので、そんなに難しくないかな??歌のキーも高くないし、みんなが知っている曲かつ友達がテーマの曲なので結婚式とかいろんな場所使えること間違い無し。

 

とかいかがでししょうか?

ピアノは作曲の勉強する上でもとても完成された楽器なので

音楽を志すならやっておいて損はない楽器です。

ぜひチャレンジ!

高い声で歌う方法。

だれもが憧れる高い声。

最近のJPOPでもやはり高い声を自由自在に操れるシンガーがもてはやされている感じはしますよね。

出ないよりは、出るに越したことはない高い声。

いろんな練習方法がありますが、いわゆるミックスボイスを見つけるための代表的な練習方法としてはこういう方法もおすすめ。

上のエクササイズは次の動画にでてくるSeth Riggsというアメリカを代表するボイストレーナーのSLSメソッドに近いのか?

男性なら大体ミとかミのシャープくらい、

女性ならラとかラのシャープくらいから

だんだん地声がきつくなってきませんか??

 

一人で練習していても、

なかなか感覚がつかめない人はまずレッスンへ!

 

テクノロジーがライブを殺すのか??

テクノロジーの発達が新しい音楽を生み出す、という流れは今に始まったことではなく、新しい楽器が新しい音楽を生み出してきた歴史は古くから続いていますが

ただ昨今のデジタル技術は、一度音をバラバラにして再構築し、それまでの歴史からは考えられなかったような自由な音の加工を可能にするという意味で、これまでの技術とは根本的に異なっています。

音のデジタル化について

 

 

 

CDが普及してからというもの、私たちが普段耳にする音源はほぼデジタルの音源に変わり、レコーディング技術はデジタルでなければもはや成り立たないレベルにまでなっていますが、

ライブのPAではアナログのミキサーが使われているケースもまだまだ多かったのが、ここにきてコンパクトなデジタルPA卓などが増え、どんどんライブの現場もデジタル化しつつあります。

僕は昔DJをやっていたので、アナログレコードをよく聴いていたのですが、アナログとデジタルの違いとして、いろんな人がいろんな表現をするのですが、僕の感覚としては

アナログの音はそこにある感じがする。

ってこと。

キースジャレットがアコースティックのピアノとエレクトリックピアノを比較して

”エレクトリックピアノではどうしても重力を表現できない”

と言ったインタビューを見たことがあるのですが、そういう感覚も近いなと思います。

ここでいわれているエレクトリックピアノはフェンダーローズなのでアナログなんですが、それでもアコースティックに比べると確かに”そこにある音”とは遠くなってしまうということでしょうか。

デジタルの恩恵も普段から十分に享受している身として、決してアナログ至上主義というわけではないのですが、ライブの現場だけは最後の砦として、なるべくダイレクトに裸のままの音を共有できる場であってほしかったなあ、という思いがあります。

まあ、ライブには生身の人間の生身の声があるんだからそれでいいじゃないか、というのもありますけどね・・。

ただこの流れで気になるのは、ライブの音もレコーディング音源と同じようにボーカルの音程をリアルタイムで修正したり、曲ごとにCDと同じようなバランスに整えたりできるようになっていく可能性があるので、どんどんライブならではの面白さが失われていってしまうのではないか?という危惧はありますね。

アーティストはあくまで生の裸の音で勝負する気概を忘れずにいたいものです。

東京渋谷|プロが教える音楽スクール。