アドリブできる力が本当の実力。作曲のために。

ジャムセッションなどで、初対面のミュージシャンたちと会話するように自由に演奏でコミュニケーションできたらかっこいいですよね。

アドリブ、つまり、その場に流れている音楽を瞬時に理解し、それに合わせて自分の音をプレイすることができるようになれば、ミュージシャンとして怖いものなしとも言えます。

普通のシンガー志望の子にとっては、アドリブの能力なんて必要ないと思われるかもしれませんが、作曲をしようと思ったらそれは必須のスキルです。なぜなら、アドリブ=作曲だと僕は思うからです。

アドリブしようとおもったら、あなたの中で完全に消化された、体に染みついているフレーズしか出てきません。それがたとえ、誰かの曲の何かのフレーズだったとしても、自然にでてくるものであれば、それはあなたの曲になっているのです。そして、そうやって自然に出てきたものは必然的にあなたらしい、説得力のあるものになっています。

以前にもどこかで書きましたが、意図的に別の何かの曲みたいにしようと思っているうちは、その何かの出来損ないにしかなりません。そうではなく、あなたが好きで覚えたフレーズやら、どこかで聞いた気に入ったフレーズがあなたの中で自然に消化されて、ストックされていき、それが体に染みついているのなら、それはあなたのオリジナルでしかない、あなたの音楽になっていると思います。

もちろん、たくさんのフレーズを覚えていけばもっと流暢にフレーズをつなげていけます。そうやっていろいろな場面に対応出来るようになるのです。

いろいろな曲をコピーして、たくさん覚えていけば、あなたにもきっと、その場でなにか作ってみて!とか、他の共演ミュージシャンにセッションしよう!といわれたとか、そういう無茶振りに対応できるようになりますよ。

ポジティブなことを言い続けたら、バックコーラスのオーディションの機会が巡ってきた話。

僕の人生の転機になったのは、SWEET SOUL RECORDSというレーベルが立ち上げ間もない頃、ジャムセッションなどでシンガーを探していて、プロデューサーの目にとまり、このコンピレーションに参加させてもらえたことがきっかけです。

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ボイトレをシンプルに考えたら、これだけで大丈夫。

ボイストレーニング、声楽、歌のレッスン・・・
巷ではいろいろなスクールやノウハウ、指導スタイルがあって、結局何がどうなの?と悩む人も多いはず。

ボイストレーニング、という看板で入ってみたけど、自分の歌いたいポップスのスタイルと違うクラシックの声楽上がりの先生だったりすると、なんだかちょっと違うな?でもとりあえずこれが正解なのかな?と思いながら習っているうちにやっぱり違和感を感じてしまう人が多いのも事実。

そうならないためにも、多くの人が目指しているポップスのスタイルに必要なボイストレーニングの要素をシンプルにまとめてみたいと思います。

①喉に負担をかけないようにするトレーニング。

多くの人が抱える問題として、サビなどで使うハリのある高音域を続けて歌えないというのがあると思いますが、それもミックスボイスの習得で改善できます。
日本語の発声は喉で音をつくるものが多いので、喉声になりがちで、それをそのまま高い音域に行こうとすると喉が上がってしまう、ハイラリンクスの状態になりがち。だから日本のシンガーはその問題を抱える人が多いんです。

喉が痛い、喉の周りの筋肉の締め付けが苦しい、そういう状態では歌を楽しく長く続けていけません。すべての基礎になる部分として、楽に、ストレスを感じずに歌うということが大事なのです。

②息を上手に使うトレーニング。

これも日本語の発声に起因している部分があるのかもしれませんが、日本人は歌うとき、いわゆる腹式呼吸ができていない人が多いです。

僕は個人的には、ポップスでは声楽的な腹式呼吸ということをことさらに意識する必要はないと思うのですが、横隔膜を使って息を支える、コントロールするという感覚は、ビブラートなどをマスターする上でもあったほうがいいスキルだと思っています。

息は歌にとってのガソリンみたいなもの。声の源になるものなので、うまく調節できるようにすることであなたの表現力は飛躍的にアップしますよ。

以上、かなり大雑把に2つの大きなポイントを挙げてみたのですが、これだけ意識できていれば歌に関する問題はだいたいクリアできます。

過去に書いたいろいろな記事も参考にしてみてくださいね。

喉が上がって苦しい…多くの人が悩むハイラリンクスを治す方法。 http://liveartist.info/highlarynx/

バンドのボーカルにこそボイトレを勧める理由。 http://liveartist.info/band-vocal/

リップロールって効果あんのかい?というあなたに http://liveartist.info/riproll1/

ボイトレの基礎。腹式呼吸??横隔膜呼吸法をマスターする方法 http://liveartist.info/howtobreath/

喉を開くってどういうこと??高音を楽に歌う基本。 http://liveartist.info/sing-throat/

それぞれの練習方法などもまたまとめていきますね。

いろいろあって便利だけど・・音楽機材の落とし穴。

僕は高校生の時からパソコンでDTMをやっていたので、当時としては割と早くから音楽機材に親しんできました。

大学の時はDJをやりながらトラック制作したりしたので、1990年代からいろんな音楽機材を触ってきました。最近のデジタル技術による音楽編集の多様化は当時からすると夢のような環境ですね。

しかし僕はいろいろな音楽の制作方法、表現方法を経て、ボーカリストとしての仕事が突破口になって今があるわけですが、そんな僕が考える、音楽機材との上手な付き合い方。

①大切なのは機材じゃない、というマインドが一番。

これが結論になってしまうのですが、一番見失ってはいけないのは、大切なのは機材ではない、ということです。音楽雑誌などを見ていると、プロが使っているいろいろな機材が紹介されていて、ああ、これを使えば自分もいい音が出せるんじゃないか!と欲しくなるもの。

でも結局、その人と同じ音を出すことが目的じゃなく、あなたはあなたなりのいい音楽をつくることが目的。だったら自分の感覚を信じて、自分にとっていいものを選ぶセンスを養いましょう。

②必要なものは、ケチらずに定番のものを買うのが一番。

僕もいろいろなチープな機材に手を出して、”安物買いの銭失い”になってしまった経験があります。

この機材はあれもこれもできて、あっちのより安い!とかそういうことに惑わされず、ある程度ネットなどで評判をしらべて、楽器屋さんにも相談してみて、素性のいい長く使えるものを選ぶのが最終的には一番です。

なぜなら、変なものを選んだ結果、いろんなところに不満が出てきて買い換えたくなって、創作することより機材を選ぶことに熱中してしまっているみたいな状態に僕もしょっちゅう陥るので、そんなことでネチネチと悩んでいる時間が勿体無いんです。

だいたいどんな機材でも、業界での定番というようなものがあります。そういうものは、たくさんの人が使ってみて、音質、耐久性、操作性も洗練されているものがほとんど。逆にあんまり売れていないようなものは、それなりの癖があったりするものです。

一通り定番のものを触ってみた上で、個性を追求するのはいいと思いますが、とりあえずは定番を抑えるところから考えてみましょう。

③慣れて素早く操作できるものが一番。

僕もPCでソフトなどを操作していて、”ここの部分がもっとこういう風にできたらいいのになー”と不満がつのり、他の ソフトを検索してみると、あ、こっちのはそれができるっぽい!となると、早速体験版をダウンロードしてやってみると、ああちょっと思ってたのと違った・・とか、高すぎて買えないや・・とか、そんなことに時間を使ってしまっていることもしばしば。

散々悩んだ挙句気づいたのは、結局一番慣れていて、素早く操作できるものが一番いいということ。

確かに最新のものは次々にリリースされ、つどつど欲しくなってしまいますが、逆にプロで毎日機材で作業しているような人でも、新しいソフトやOSがリリースされても問題が起きる可能性があるので変えない、という人は多いです。

多少機能に不満はあっても、大切なのはあなたのクリエイティビティが発揮できる環境があること。機材ばかりに気をとられて肝心の音楽をつくる時間がない、なんてのは本末転倒です。

この話、僕自身も常に肝に命じたいところです。

シンガーが楽器を始めるなら・・ピアノ?ギター?

僕は中学校からなんとなくギターを始めて、ピアノはうちの姉が習っていたのもあって、音楽に興味をもった同じ時期くらいから実家でたまに遊びで弾いてたりしました。

ギターでは最初に幾つかのコードを覚えて歌っていましたが、ピアノではコードという概念があまりわかっていなかったので、ビートルズの”Let it be”を譜面と格闘しながら練習したのを覚えています。

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