完璧主義が成長を妨げる。

初心者にありがちな姿勢として、もっとうまくなって、完璧にできるようになったらライブしよう!というのがありますが、僕はいつも、そういう人に”先にライブを決めてしまった方がいい”と言います。

もちろん、いきなり武道館でライブができるわけではありません。現実的な範囲で、ライブハウスのブッキングライブでもいいし、小さな発表会でもいいので、期限を切って、そこまでに何かを見せれるように必死で練習する、という意識をもつことが大切ということです。

”習うより慣れろ”という言葉もあるように、自転車に乗るのに”まず右足を踏んで、右に倒れそうになったら左に体重をかけて〜”というふうに言葉で延々説明を受けたところで、乗れるようになる人は一人もいないし、自転車のないところでそれを延々シュミレーションしたところで、実際に乗ってみないことには何にもならないのです。

いいライブができるようになるためにはライブをやるのが一番の練習。

うまく歌えるようになったら一生一人カラオケだけで自己満足でいい!という人も中にはいるかもしれませんが、やっぱり音楽はたくさんの人と共有してこそ感動が何倍にもなるもの。

人前に出ることを避けていたら、音楽のもっと本質的に重要な部分さえわからなくなって、ひたすら盲目的に自分のこだわりを追求してしまったりします。

それはそれで面白いものになったりもするので、そういう方向性でいきたいのなら好きなだけ追求したらいいと思いますが、僕の個人的な経験からいうと、もっと広い世界へ意識を向ければもっと素晴らしい世界が見えると思います。

僕も昔から家にこもってひたすらものを作ったりするのが好きなタイプだったので、ずっと人に聞かせることもない曲を作っていたりもしました。ひたすらマニアックなものを追求して、素晴らしいと思えるものができたら発表しようと思っていたのです。

でもニューヨークに旅行に行った時にハーレムの教会で見たゴスペルに衝撃を受けました。決してみんながみんなうまいわけではない黒人たちの歌は今まで見た何よりもエモーショナルで、自分が家にこもって追求していた音楽と全く違う音楽のあり方、心が震えるような世界がそこにあったのです。

僕はそれから歌を歌うようになりました。人前で歌うなんてカッコ悪いとすら思っていた時期もあったのですが、やっぱりたくさんの人と音楽を、感動を共有したいという思いが僕の中に確かにあった。

もちろん、何かの音楽ジャンルを否定したいわけではありません。どんな音楽性でもいいのですが、それをたくさんの人に聞いてもらう活動、共有しようとする活動は、常に続けた方がいいということを言いたいのです。

死んでから作品が発見されて、それが評価されて広まるというようなこともアートの世界ではよくありますが、ライブに生きる音楽家なら、やっぱり生きているうちに、その喜びを味わってほしいなと思います。

“ライブ”すなわち生きていることこそが、あなたの一番の作品なのだから。

意識が変われば全てが変わる。

なんだか仰々しいタイトルになってしまいましたが、これは何度でも言いたい話。

いろんなノウハウや細かいテクニックはあれども、一番大切なのはあなたの意識。

あなたの意識の中にどんなビジョンがあって、どんなイメージを持っているのか、それがあなたが表現し得る全てであって、技術はそれを助ける程度のもの。

その思いが強烈であれば、行動も自ずと変わるし、パフォーマンスにも表れてくるはず。

もっと気持ちよく歌いたい

空を飛ぶように自由に歌いたい

魂が震えるほど熱く叫びたい

どうしてもあの子を振り向かせたい

心の中のイメージはなんでもいいけど、それがパフォーマンスを通して伝わるだけです。

もっともっとその思いをたぎらせて、大きく大きくしていきましょう。

それがやがて外の世界に響く時まで。

心の中にあるいろんな感情を全て吐き出せるのが音楽の素晴らしさです。

プロになる、上手くなる、それも大切なあなたの夢かもしれませんが、それらは全ての結果としてついてくるもの。

迷った時も、目的を見失いそうになった時も、音楽が答えを教えてくれます。

そうやって僕も音楽を続けてこれたし、その素晴らしさを皆さんと共有し続けていけるように、これからもずっとやり続けていくつもりですよ。

 

アーティストになるか?裏方のプロデューサーになるか??

アーティストとして、自分が表に出てパフォーマンスをする側になるのか、それとも裏方として、プロデューサーになるのか。このサイトをみてくれている人はアーティスト志向が多いのだろうと思います。将来どうしても音楽で食べていきたい!プロになりたい!という強い意志を持っているあなたに、それぞれの違いのお話。

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グッとくる”強い”メロディラインを作る方法

いいメロディラインはどうやってできるのか???

結論からいうと、どこまで突き詰めてメロディを研究しても、最後には感覚で判断するしかありません。

コード進行にはある程度の王道があって、最近のJPopに限って言うならそんなに種類は多くないと思いますが、メロディは千差万別、時代ごとに流行りのフレーズはあれど、こういう動き方をすれば泣ける、みたいな法則はありません。

ただ、ヒントがあるとしたらあなたが今までにインプットしたフレーズや歌い回しが、形を変えてそこにぴったりハマったときに新しいメロディが生まれるということ。

でもそれがハマった!!と判断するのも結局あなたです。

とにかくたくさんの歌を体にインプットして、新しいコード進行のうえでアドリブしながら歌ってみるのが最初はとっつきやすいと思います。

最初はひたすらトライ&トライ。キーを変えてみたり、リズムを変えてみたりしながら探っていきましょう。

要は、コード進行とメロディラインの候補を頭の中にどれだけ持っているかで、出来上がる曲のクオリティもかわってくるということ。

出会った曲はなんでもコピーしてコード進行を探ってみるくらいの気持ちがあれば、すぐにいろんなパターンが浮かぶようになりますよ。

そうやってずっと頭の中でいいメロディを探していれば、ある日ふと頭に浮かんだりするようになります。そのメロディとコードを楽器で探りながらつくれるようになったら、大体のことには対応できます。

コードを探るようになれるようにするためには、キーの概念が分かっていないと難しいです。キーの概念が分かっていれば、一つの進行を覚えるだけで全部のキーに応用できるようになります。それもまた詳しく書きますね。

もしテレビに出ることになったら・・ど緊張しても大丈夫??

僕が初めてテレビで歌う機会をいただいたのは、NHKのSONGSという番組で、久保田利伸さんが出演された時。

初めてのテレビ出演で国営放送の大型番組ということで、緊張のほどは計り知れなかったのですが・・そんな状況にあなたがもしなったら、ちゃんとパフォーマンスできますか??というお話。

カメラのリハーサルはあるのですが、撮影の進み具合など、状況にもよりますが、基本は一発。そういう現場では周りのスタッフさんも、あなたが完成されたパフォーマンスをすることを前提に進めていくので、よほど本人が大きな間違いをしたとかでない限り、やり直しはありません。

そんな状況でバックのバンドがミスなどしようものならそこにいるたくさんのスタッフさんの作業の流れを止めてしまうことになります。

ライブならある意味、ミスをしてもそのまま継続するしかないので、迷惑ということもないのかもしれませんが、映像は残るものなので、できる限り完全なものにしたい。そう考えるととても緊張してしまいますね。

そんなしびれるような場面で、堂々とやりきるだけの強いマインド、あなたにはありますか???

僕でも、あまりやったことのないことを収録でいきなりやれといわれたらしびれるほど緊張すると思います。だからそんな時こそ、事前に悔いの残らないだけの練習を積んでおかないとダメ。

あとは開き直って、精一杯やれるだけのことをやって、間違えたら迷惑かけてもしょうがない、という肝の座った堂々としたパフォーマンスを目指しましょう。

僕もたまにやりますが、ただ練習するのではなく、”ここは武道館のワンマンライブのステージの上だ”とか、具体的なイメージをもって演じるように集中して練習すると、その緊張感まで練習できます。それができるくらい集中して普段から練習しましょう。

あとはいろいろなライブの経験をひたすら積んでいけば、どんな場所でも堂々とできるようになっていきますよ。実践あるのみ!

自分のマイクが欲しいなら・・とりあえずSM58?それとも・・

どこのスタジオにも、ライブの現場にもあるど定番マイクといえば、SHURE SM58(通称ゴッパー)



最近はマイマイクとかにもこだわる人が出てきているようで、ライブをたくさんやる人とか、衛生に気を使う人とかは持っていてもいいと思いますが、僕個人的には現場でSM58さえあれば大丈夫です。

SM58の音に慣れるメリットは

①どこにでもあるので、自分の声の基準になる。

いつも音楽を聴いているスピーカーやイヤホンなども、自分の中での音の基準になりますが、マイクも同じ。環境が変わっても同じマイクがあれば、自分の声質がいつもとどう違うか?というようなこともわかりやすいですね。

このマイクは本当にライブに関わる人ならみんながどこかで耳にしているサウンドなので、PAさんなどにもあなたの声がどうなのかということが伝わりやすいと思います。

これは結構大事なことで、機材に依存してパフォーマンスが変わるようではダメです。”弘法筆を選ばず”というやつですね。

②意外にレコーディングでも使われている。

マイケルジャクソンなんかも、曲によっては手にマイクを持って踊りながら歌いたいからといってこのマイクでレコーディングしたりもしたそうです。ロックバンドのボーカル等では普通に使われているので、もしレコーディングすることになっても大丈夫。

③とにかく頑丈。投げても大丈夫?

さすが現場で長年生き抜いてきた機材の信頼性はとても高いです。プロレスのマイクパフォーマンスでも大丈夫?ボーカリストなら1本持っておいても損はないと思いますが、自分で機材を用意しなければならない機会がない人は、どこにでもあるのであえて買う必要もないかと思います。

他にもいろんな個性的なライブ用マイクだとか、格安マイクも出回っている昨今ですが、とりあえずはやっぱりSM58を押さえとけば間違いないんじゃない???というお話でした。

メジャーデビューしたいなら、なるべく若いうちに動き出せ。

メジャーの音楽プロデュースなどに関わって感じることがいろいろあります。昨今のアイドルブームなどを見ていてもわかると思いますが、デビューを目指すなら、やっぱり若い方が有利。

僕は個人的には若いころはメジャーなんて興味ねえ!!俺は俺の音楽を追求するだけだ!!みたいな考え方だったのでオーディションを受けたり全くしたことがなかったんですが、今になって考えると、それも並行してやればよかったなと思うこともあります。

もしデビューを少しでも考えているなら、一番若い”今”からすぐ行動し始めた方がいいですよというお話。

①アーティストとしての方向性を決める可能性が増える。

メジャーのレコード会社や大手芸能事務所といえど、こういう方向性で売れば必ず売れるというノウハウを持っているわけではありません。毎回毎回試行錯誤の連続で、何がヒットするかわからない状況で各社しのぎを削っているわけです。そんな状況ですので、やっぱり若い方が柔軟さがあったり、時間を費やすことができたり、いろいろな可能性があるので、若い方が好まれてしまうのは仕方がないのかなと思います。

②歳をとって経験があると、かなりの完成度を求められる。

実力派のシンガーソングライターやインディーでずっと活躍してきたバンドなどは30代からのデビューなどもよくありますが、そういう人は相当なレベルの完成度のパフォーマンスができる人だけです。自分でセルフプロデュース能力もあって自己管理ができる人なら時間をかけて自分を磨き、チャンスが来た時にメジャーに挑戦するというスタンスもありだと思いますが、数としては少ないと思います。

③若い方がフレッシュで、異性にも好まれやすい。

人それぞれの好みだろという意見もあると思いますが、やっぱり若い方が外見もフレッシュで多くの人に魅力的に見られる場合が多いのではないでしょうか??

④もし失敗してもその後の人生のつぶしがきく。

ある程度の年齢までいってしまうと、そこから就職などがどんどん難しくなってしまいます。何歳までにプロになれなかったらやめるとか、一回就職するとか、そういう期限を自分の中で決めてから一生懸命取り組むのもいいと思います。

ちなみに僕はフリーターから一度就職しましたが、そこで社会人として学んだことは計り知れないし、フリーターで時間を切り売りしてるよりはるかに有意義に過ごせた気がします。たまたま残業を強要されるような会社じゃなかったので音楽活動も両立できて、いい環境に恵まれたと思います。フリーターの人は就職もおすすめしますよ。

デビューすることの意味、それは世間にいろんな形であなたをプロモーションしてもらえること。お金をかけてプロモーションしてもらえるということは本当に貴重なことです。

そのことについてもまた書きますね。

東京渋谷|プロが教える音楽スクール。