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ポジティブなことを言い続けたら、バックコーラスのオーディションの機会が巡ってきた話。

僕の人生の転機になったのは、SWEET SOUL RECORDSというレーベルが立ち上げ間もない頃、ジャムセッションなどでシンガーを探していて、プロデューサーの目にとまり、このコンピレーションに参加させてもらえたことがきっかけです。

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ボイトレをシンプルに考えたら、これだけで大丈夫。

ボイストレーニング、声楽、歌のレッスン・・・
巷ではいろいろなスクールやノウハウ、指導スタイルがあって、結局何がどうなの?と悩む人も多いはず。

ボイストレーニング、という看板で入ってみたけど、自分の歌いたいポップスのスタイルと違うクラシックの声楽上がりの先生だったりすると、なんだかちょっと違うな?でもとりあえずこれが正解なのかな?と思いながら習っているうちにやっぱり違和感を感じてしまう人が多いのも事実。

そうならないためにも、多くの人が目指しているポップスのスタイルに必要なボイストレーニングの要素をシンプルにまとめてみたいと思います。

①喉に負担をかけないようにするトレーニング。

多くの人が抱える問題として、サビなどで使うハリのある高音域を続けて歌えないというのがあると思いますが、それもミックスボイスの習得で改善できます。
日本語の発声は喉で音をつくるものが多いので、喉声になりがちで、それをそのまま高い音域に行こうとすると喉が上がってしまう、ハイラリンクスの状態になりがち。だから日本のシンガーはその問題を抱える人が多いんです。

喉が痛い、喉の周りの筋肉の締め付けが苦しい、そういう状態では歌を楽しく長く続けていけません。すべての基礎になる部分として、楽に、ストレスを感じずに歌うということが大事なのです。

②息を上手に使うトレーニング。

これも日本語の発声に起因している部分があるのかもしれませんが、日本人は歌うとき、いわゆる腹式呼吸ができていない人が多いです。

僕は個人的には、ポップスでは声楽的な腹式呼吸ということをことさらに意識する必要はないと思うのですが、横隔膜を使って息を支える、コントロールするという感覚は、ビブラートなどをマスターする上でもあったほうがいいスキルだと思っています。

息は歌にとってのガソリンみたいなもの。声の源になるものなので、うまく調節できるようにすることであなたの表現力は飛躍的にアップしますよ。

以上、かなり大雑把に2つの大きなポイントを挙げてみたのですが、これだけ意識できていれば歌に関する問題はだいたいクリアできます。

過去に書いたいろいろな記事も参考にしてみてくださいね。

喉が上がって苦しい…多くの人が悩むハイラリンクスを治す方法。 http://liveartist.info/highlarynx/

バンドのボーカルにこそボイトレを勧める理由。 http://liveartist.info/band-vocal/

リップロールって効果あんのかい?というあなたに http://liveartist.info/riproll1/

ボイトレの基礎。腹式呼吸??横隔膜呼吸法をマスターする方法 http://liveartist.info/howtobreath/

喉を開くってどういうこと??高音を楽に歌う基本。 http://liveartist.info/sing-throat/

それぞれの練習方法などもまたまとめていきますね。

成長するために、時に居心地の良い場所を捨てて。

人は基本的に変化を嫌う生き物。現状で生命の危険などがなく、平穏に暮らせる状態であれば、生命の恒常性維持の本能が働き、そのままの状態で留まろうとします。みなさん、自分でそのことに気づいてますか?

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魅力的なものにするためには・・大体、めんどくさいけどさ。

最近とても気に入っている言葉があって、それは所ジョージさんが世田谷ベースでふと言った言葉。

”めんどくさいことが幸せなんだよ。”

現代社会って、何でも便利になっていって、とにかく簡単に、早く、それなりにいい結果が出ることに甘んじて進んでいる気がします。でも誰もそれを心の底から望んでない。わかっちゃいるけどやめられない。だって簡単だもん。楽だもん。

例えば、ファーストフードって美味しいですよね。でも、心の底からああ幸せだなあ、と思える人ってどのくらいいるんでしょうか。

僕はちょっとした健康オタクだった時期もあって、いろいろ勉強したのですが、僕の考えでは、ファーストフードみたいな高カロリーの糖質の多い食べ物を、”美味しい”と感じるとしたら、それは脳みそに糖分という麻薬を注射して気持ちよくなっているのと同じようなもので、その中毒になってずっと食べ続けたら・・みなさん結果は想像できるでしょう。

ほとんどの人は、悲しいかな、理想的な人生を歩むのではなく、その辺にある手頃な幸せに手を伸ばして生きるのです。

さて、アーティストとしての話に置き換えてみると、考えるべきことがこの点についてはたくさんあると思います。

あなたがファンに提供しているアートは、即席で出来上がったありきたりでそれなりのものでいいのか?

それとも細部までなんども試行錯誤をし、手間暇かけて練りに練ってつくられたものがいいのか??

イメージ的には、後者の方が素晴らしいに決まってる、と思われるでしょうが、これはビジネスとして考えると、とても難しい問題で、場合によっては即席のそれなりのものでも、十分成り立つこともありえるのです。

ファーストフードの例で言えば解りやすいかもしれませんが、一流の料亭よりファーストフードチェーンの方がビジネスとしては規模も大きく、利益も上がっているという例は十分にあります。

ただ、それでも注意したいのは、ファーストフードはファーストフードで、練りに練られてつくられているから売れるんだ、ということを忘れてはいけないのです。決していい加減に作られているわけではありません。

あなたがあくまでどこを目指したいか、ということにすべてはかかっていて、どんな方向性でも突き詰めていけばいいものになる可能性は十分にあるのです。

すなわち、タイトルにもありますが、めんどくさいことをちゃんと突き詰めてやったものはやっぱり魅力的になるんですね。

簡単にできないからこそ、価値がある。その辺の意味を履き違えないように、自分の理想を見つめていきましょう。

日本のボーカリストはリズムの意識が弱い??

僕はギターを練習した時に初めて、メトロノームを使って練習することの大切さに気づき、そこから“自分の中にリズムの軸がないと、リスナーにリズムを感じさせられないんだ!”いうことを学びました。

やっぱりそこまでは、自分のリズムに対する意識は弱かったと思います。楽器奏者なら当たり前のようにメトロノームを使った練習をするものですが、ボーカルはそういう習慣がない人がほとんどですよね??

海外のR&Bを聞いていると、トラック(オケ)の音数が極端に少ないようなものでも、曲としてとてもグルーブしていてなにか足りないというような感じがしないのに、

同じようなトラックで日本人が歌っていると途端にスッカスカに聞こえたりすることがあると思うんですが、それはやっぱり歌のグルーブの力じゃないでしょうか?

うまい人は歌だけで強力なグルーヴを生み出して、全体を引っ張ることができるのです。

グルーブを生み出すために必要な土台が、メトロノームで刻むように、ある一定のパルスを自分の中で保てるスキルなんですね。それがリズムの土台になります。

その土台のうえで、ジャストのタイミングで入ったりちょっと遅れたりしながら自由に動き回れることができれば、もっと歌がうまくなるし、歌っていて心地よく、楽しくなります。

多くの日本人は真面目な人ほど、とにかくジャストで入ることばかり意識しがちになって、力んでツッコミ気味になったり、合ってはいるけどグルーヴはしてない…という人が多い気がします。

しかしながら、とりあえずの練習としては、メトロノームにジャストで合わせられるようになる、というのが基本です。ジャストで合わせられるということは、意図的に外すこともできるということです。

なれるまでは常に、一人で練習するとき何をするにもリズムを感じながらやったほうがいいです。カラオケならオケのリズムがあるからまだいいのですが、別にコチラに何か合わせてくれるわけではないので、合わせようという意識が弱くなってしまいます。

これが誰かと一緒にアカペラ等やると、きっちりみんなでリズムも合わせなくてはいけなくなるので、意識が変わってくるのですね。

メトロノームを使って練習する、というのが酷であれば、足で一定のテンポを刻みながら歌うとか、ゴスペルのように2拍4拍で手拍子を入れながら歌うとか、曲調によって常にそのグルーブを感じながら、歌のラインだけで、どういうリズムの曲なのかということが伝わる歌を歌えるようになりましょう。

メトロノームってなれるまではほんとにめんどくさいんですよね…わかります。でも、慣れると絶対あわせて練習する方が楽しいですよ。